A artista Lenir de Miranda volta a expor no Museu de Arte Contemporânea do Rio Grande do Sul sua sempre intensa produção pictórica. O impulso literário da sua pintura – frequentemente associada aos textos das narrativas de Homero e Joyce, onde Ulisses personificava o centro de toda figuração que flutua nas telas é vista agora renovada beirando a quase desumanização na sua nova série, dita fragmentária, de trabalhos expostos em Terra Devastada.
No entanto, a artista ainda preserva o elemento humano básico, que emerge da profundidade das leituras, dedicando obsessiva atenção ao conceitual, embora com habilidade e técnica de grande densidade expressiva. Lenir gosta de dizer que faz tudo ela mesma, talvez por isto que faça além, trabalhando sua sagaz pintura em todos os meios concebíveis, como tapetes, chapas metálicas, crinas de cavalo, galhos secos, entre outros materiais que opera com vigor extremo em suas colagens e assemblages. Nas histórias que contam – e a narrativa é um componente central aqui – a ficção clássica é trazida do imaginário ao mundo real, condensadas na materialidade de suas obras.
Em um tempo que nossas vidas são moldadas por tecnologias digitais, que visitamos sites para conhecer os artistas e museus, as obras de Lenir de Miranda ainda pedem a visita ao ateliê, ao lugar de onde partiram. Transportá-las da histórica Pelotas para as salas do MAC, é bem dizer parte do que elas são – uma odisséia permanente ao que ainda desconhecemos do mundo. Talvez estejamos na frente de obras que têm como princípio provocar o quanto não entendemos a nós mesmos. Lenir, contudo, não perde seu fio condutor, aquele que ao nos levar por esta viagem sem fim, preserva e renova em nosso olhar os códigos pictóricos, reunidos entre os fragmentos e as instalações que acompanham solidários suas pinturas. A artista retrocede a figura do mito fundador, de civilizações arcaicas, acessando uma dimensão íntima do ser, onde podemos reencontrar e até descobrir novas fronteiras e limites que, agora, inspiradas na poesia de T.S. Eliot, convidam-nos a devastar a terra de uma existência (própria ou alheia), porém ainda ignorada.
Lenir de Miranda não está preocupada com a pureza da linguagem, ao contrário, é mestra de uma produção excêntrica, tanto territorialmente, como na forma e concepção, pois não leva o mundo, mas o traz em suas pinturas, desenhos, assemblages, instalações e livros. A bicentenária Pelotas, cidade homenageada por ser berço permanente de importantes artistas, comemora hoje uma das suas cidadãs honorárias mais ilustres, que tem sua obra presente em diversos museus e coleções particulares pelo mundo afora. O MACRS sente-se orgulhoso de realizar esta dupla homenagem e agradece à artista pela oportunidade do reencontro com o Museu e o seu público. Texto André Venzon, 2012
Disponível em
https://www.lenirdemiranda.com/textos/ Acesso 4/7/2024
Luiz Antonio de Assis Brasil
Outono de 2012
Porto Alegre - RS
Entende-se uma obra a partir de suas referências. Impossível existir uma obra que não remeta a outra, a outra, a outra… perfazendo uma série infinita e incalculável. Isso se explica pela circunstância de que a cultura é um continuum de relações. Essas relações, por sua vez, são balizadas por parâmetros nem sempre identificáveis, o que aumenta a vertigem analítica.
No caso desta exposição de Lenir de Miranda, o modelo é explicitado pela autora: o célebre e perturbador poema Waste Land, de T.S.Eliot, de 1922. Os adjetivos são cabais: é perturbador porque nem sempre atinamos o que Eliot quis dizer, embora reconheçamos que há, numa camada inacessível, algo que, se revelado de imediato, seria terrível demais. É o que se vê, por exemplo, nestes dois versos: Here is no water but only rock / Rock and no water and the sandy road; a aparente esterilidade e “concretude” – que lembram João Cabral – constituem uma metáfora de mil possibilidades hermenêuticas, todas inquietantes. De resto, o poema potencializa todos os avanços do Modernismo europeu – e não só: cacofonias onomatopaicas, reiterações, jogos verbais, tudo nos conduz a um fato inédito no trajeto das artes. Waste Land tornou célebre o autor, que depois seria consagrado com o Nobel.
A interlocução de Lenir de Miranda com o poema resultou numa coletânea de experiências sensíveis, em que o uso de materiais díspares corresponde à tentativa de Eliot de capturar o leitor/espectador numa teia de sensibilidades: assim, a obra de Lenir de Miranda não é apenas um apelo ao olhar, mas à sonoridade, ao tato. Isso é visível em toda a exposição, mas é possível colher um bom exemplo em “If there were the sound of water only”. A profusão dos materiais é espantosa, pois ali estão mesclados a tinta acrílica, o carvão, o carpet, o latão, dentre outros convocados pela autora a produzirem uma impressão forte no espectador, que é jogado num vórtice impossível de ser medido ou, sequer, explicado. Ali está a água em sua representação de elemento primordial, criada a partir de grafismos quase infantis. É a água de onde surgimos, e que submerge o mundo no Dilúvio bíblico, mas também no líquido amniótico e na síntese química que tornou a vida possível neste planeta. Talvez seja a água do famoso abril de Eliot, se pensarmos em Waste Land. Trata-se, contudo, de uma água muda; não há ondas, não há marulhos, sequer a minúscula borbulhagem da respiração dos peixes. Isso permitiu a Lenir de Miranda avançar sobre a proposta poética, com algumas sugestões ópticas que complementam a imagem do terço inferior da “tela”. São “sonoridades visuais”, com perdão da imagem algo elíptica e retórica. As cores, poucas, instalam uma monocromia do cinzento rompida por breves exclamações do vermelho; por breves, são mais intensas e geradoras de impacto. Se atentarmos para as simetrias – essa eterna busca do ser humano – elas estão lá, na horizontalidade de uma linha em que o vermelho está representado três vezes, sendo que o centro é maior do que os outros que lhe estão ao lado. É a sonoridade do compasso ternário, talvez o mais praticado de todos. É, enfim, a tríade como uma referência ancestral e infinita. O mais curioso é que esta pintura não traz qualquer espécie de quietação; ao contrário, é um elemento desestabilizador, pois sua regularidade é aparente: as pequenas assimetrias são indicativos de que “algo não vai bem” – e aí está a arte, em sua plenitude.
Pretendi apenas, nesta interpretação pessoal, propor uma espécie de “guia de leitura” desta amostra de Lenir de Miranda. O espectador saberá fazer suas escolhas e, com sua sensibilidade, concluir por si mesmo qual a intenção de cada uma das peças exibidas. Para isso será necessária abertura intelectual de quem as vê, mas também, e principalmente, abertura emocional.
O que importa, disso tudo, é que estamos perante uma artista inquieta, capaz de desassossegar e, com isso, refazer o mundo e suas perplexidades. O domínio técnico é uma das parcelas de seu talento, o qual vai muito além disso, pois toca as vertentes mais íntimas da existência humana.
Sairemos diferentes, desta exposição. Talvez mais sábios, sim, mas também melhores.
Disponível em
https://www.lenirdemiranda.com/textos/. Acesso: 05/08/2024
